Entrevistando a los artistas - Roberto Pugliese y Pedro Medina / Interview with artists - Roberto Pugliese y Pedro Medina
*(English below)
Entrevistamos a Roberto Pugliese Licenciado en Música Electrónica en2008, bajo la guía de Agostino di Scipio, desde 2009 ha enseñado en conservatorios y academias de bellas artes en Nápoles, Frosinone, Bari y Milán. Actualmente es profesor de Multimedia en el Conservatorio de Nápoles, labor que compagina con su carrera musical y como artista electroacústico.
Roberto, tu formación es en música electrónica, ¿en qué momento tu música se va extendiendo hacia lo visual, trabajando el sonido y lo instalativo?
Siempre he tenido una gran curiosidad por todas las expresiones artísticas, aunque mi primer amor fue la música. Durante mis estudios en Música Electrónica en el Conservatorio de Nápoles, mi maestro, Agostino Di Scipio, abrió mis horizontes creativos hacia el mundo de las instalaciones. Al mismo tiempo, dado que yo era activo en el campo de la política estudiantil y que en Italia los conservatorios y las academias de bellas artes pertenecen al mismo sector, a menudo tenía encuentros con estudiantes de la academia de bellas artes.
En esa ocasión nacieron las primeras colaboraciones con artistas visuales en las que me ocupé de la parte sonora. Atraído por el mundo interdisciplinar, desarrollé más tarde una poética autónoma entre el sonido y el arte visual.
Se puede decir que eres un investigador del arte sonoro y lo visual. Háblanos de este trabajo de investigación.
Mi investigación se nutre principalmente de dos corrientes artísticas, la del arte sonoro y la del arte cinético y programado. Mediante el uso de equipos mecánicos dirigidos por software que interactúan entre sí, con el entorno que los rodea y con el usuario, pretendo examinar nuevos puntos de investigación: fenómenos relacionados con el sonido, el análisis de los procesos que la psiquis humana usa para diferenciar las estructuras de origen natural de las artificiales (tanto acústicas como visuales), la relación entre el ser humano y la tecnología, y también la que se establece entre el arte y la tecnología, dando un papel en absoluto despreciable al aspecto visual. El sonido se convierte así tanto en objeto de investigación como en medio de expresión acústica y visual, energía vital que anima lo inanimado, convirtiéndose en una guía para analizar y estimular la psique y la percepción humanas. La idea de crear una relación activa entre la obra y el espectador me empuja a crear dimensiones en las que el sonido se mueve, creando diferentes perspectivas sonoras para el oyente. El arte surge de una realidad bidimensional para dar vida a escenarios sonoros y/o visuales reales. De esta manera, el usuario se sumerge totalmente en mundos perceptivos que lo acompañan en la experiencia sensorial.
Roberto Pugliese en el montaje de la exposición
Haces colaboraciones con artistas de distintas disciplinas: expertos en electroacústica y música electrónica, artistas visuales, arquitectos… ¿Cómo es ese trabajo?
Sin duda, es un trabajo en el que uno no se aburre… Estoy acostumbrado a trabajar en grupo, también porque en el pasado he colaborado con varias realidades como la startup 3dive, con la que he creado patentes en el ámbito de la innovación tecnológica. También he colaborado como experto externo de la Universidad de Génova para un proyecto sobre un nuevo prototipo de cuero artificial. En definitiva, me fascina el área de investigación desde todos sus ángulos posibles.
En lo que respecta al arte, a menudo trabajo solo, imprimo algunas partes de mis obras en 3D con mis impresoras y programo de forma independiente el software que uso para mis obras. No obstante, dependiendo del proyecto, hago uso de habilidades diversificadas. El único objetivo es poder dar vida y forma a mis ideas artísticas.
Háblanos de la importancia de crear experiencias inmersivas. Lo vemos en piezas como Concerto per natura morta.
Las experiencias inmersivas, tanto visuales como sonoras, trasladan al usuario en un campo sensorial muy profundo en el que el objetivo es provocar un desapego, aunque sea por un tiempo mínimo, de la “realidad” cotidiana. De esta forma, la mente puede proyectarse hacia sensaciones y pensamientos inéditos, o crear cortocircuitos inesperados.
Tu trabajo no es solo una reflexión y una investigación sobre la música, sino que también crea un discurso que reflexiona sobre ciertos temas sociales. Cuéntanos en qué sentido.
Entre los diferentes temas que traté en mi investigación artística, el de la relación entre el ser humano y la naturaleza, mediada por la tecnología, es uno de los que me interesan especialmente. A través de mis obras trato de "contar" una forma posible en la que la tecnología está al servicio, tanto del ser humano como del medio que lo rodea. Intento crear nuevas conexiones en las que propongo usos alternativos de la tecnología como extensión y reflexión humana no destructiva.
¿Cuál es la relación entre lo tradicional y lo moderno en tus obras?
La historia es importante, nuestra sociedad no podría existir sin la conciencia de su pasado.
Creo que el arte debe crear una conexión entre nuestro pasado y nuestro futuro a través de obras y conceptos visionarios. Por lo tanto, debe ser –como ha ocurrido a menudo– un vector de innovación, tecnológica, moral y social.
¿Qué importancia tiene la traducción de Big Data en tiempo real?
La traducción de Big Data nos ayuda a volver "sensibles" y perceptibles datos que, si se leen, no conllevan un mensaje "empático". Por ejemplo, si leemos que se talan 40.000 árboles al día, para nosotros sigue siendo una cifra, pero si, como es el caso de mi obra Critici ostinati ritmici, esta cifra se traduce en una serie de golpes perceptibles visual y sonoramente, en tiempo real, en un tronco, entonces la percepción de ese número cambia, se vuelve más "concreta" y asimilable.
Otro ejemplo es Acoustic Tides, que se exhibe aquí en Valencia, en la que traduzco sonoramente en tiempo real el nivel de las mareas de 5 estaciones españolas para poner en evidencia, de una forma más emotiva, un fenómeno debido al calentamiento global. También en este caso trato de usar la tecnología como una "extensión emocional" de mi modus operandi.
Pedro Medina es el comisario de la exposición. Podemos encontrar su crítica en el catálogo de la exposición, disponible en nuestra web.
¿De dónde viene el nombre “Intemperies musicales”?
El título parte del doble origen de la palabra “tiempo”. Por un lado, el tiempo meteorológico al que estamos expuestos y, por otro, al tiempo cronológico, a la medida y duración de las cosas, por tanto, también a la música.
Con este juego de palabras logramos reunir dos de las vías de investigación y experimentación de Roberto Pugliese: una serie de obras que reflexionan y “traducen” el medio ambiente sonora y visualmente, junto con otras que piensan internamente el mundo de la música del que procede.
¿Cuál es el hilo conductor entre los tres espacios?
Las dos grandes instalaciones de Vicente Beltrán Grimal y Cabillers dan pie precisamente a estos dos caminos de expresión y, sobre todo, de inmersión para provocar hondas emociones en el espectador.
En el primero encontramos Concerto per natura morta, una impactante instalación compuesta por troncos de castaños, que murieron por causas naturales, suspendidos en el aire a distintas alturas y en posición horizontal. Desde ellos emana un poderoso sonido que procede de los lugares de origen de los árboles y que ha sido tratado digitalmente con el fin de situar al espectador literalmente dentro de una “naturaleza muerta”. Igual que ocurre en otras de sus obras, como Liquide emergenze future, esta obra es reconocida como cercana a una “ética de la naturaleza”, al tratar temas como la deforestación o el alzamiento del nivel del mar.
En el segundo hallamos La finta semplice, K51, que remite a la composición de Mozart. Pretende ofrecer una clave de escucha diferente, por medio de una orquesta de instrumentos de cuerda que reproduce virtualmente la composición realizada por Pugliese, con el objetivo de replantear la forma “concierto” a través de la experimentación tímbrica y la puesta en escena. En este caso, se reproduce en el escaparate de Cabillers como muestra externa de la Intemperies musicales para aquellos que pasen por la calle, si bien contará con conciertos privados en su interior a lo largo del tiempo en el que la exposición estará vigente, para apreciar la fuerza de esta composición.
Las dos corrientes confluyen en la galería situada en Pascual y Genís, como síntesis de su carrera, contando con más instrumentos “aumentados”, formas diferentes de anotar música, también con una variante de Concerto per natura morta y, muy especialmente, con Acoustic Tides, instalación que traduce en tiempo real las mareas de cinco ciudades españolas, convirtiendo datos online en un particular canto de sirenas.
¿Cómo convive la música con el arte?
No entendería las dos cosas como algo separado, sobre todo en la obra de Roberto, sino dentro de lo que denominamos “arte sonoro”, aunque sea una corriente difícil de demarcar y a la que la gente no está acostumbrada.
Desde esta perspectiva, es larga la relación entre arte sonoro y arte visual, como bien demostraron exposiciones como Sons & Lumières en el Pompidou, una de las más completas revisiones de la historia del sonido en las artes visuales a lo largo del siglo XX. En todos estos casos, aparece como un fecundo período de convergencia y diálogo que ofrece otras percepciones –por tanto, enfoques, aproximaciones– a argumentos como pueden ser los medioambientales, incidiendo más en aspectos emocionales que puramente narrativos.
Una parte especial de estas “correspondencias” entre lo sonoro y lo visual es la especulación propiamente musical, entendida por Roberto dentro de lo que denomina “música para ver”. De hecho, en las obras que presentamos el público podrá apreciar en su obra un extraordinario ejemplo de síntesis entre posiciones que a veces son entendidas dicotómicamente. Además, plantea nuevas formas de expresión gracias al uso de medios digitales, como respuesta contemporánea a desafíos artísticos convencionales, no pensando la tecnología únicamente como un instrumento, sino que –igual que ocurre en Schafer, siguiendo a su cercano McLuhan, y en otros autores paradigmáticos como Benjamin– aparece aquí como medio portador de conocimiento y como reflexión necesaria para ser contemporáneo.
¿Qué importancia tiene la experimentación en este campo?
La experimentación es fundamental si queremos encontrar nuevos lenguajes que logren hablar de las nuevas experiencias que están surgiendo en nuestro mundo. De hecho, más que idealizar la figura del artista, como ocurría en el Romanticismo, convendría considerar la obra como “proyecto”, que imagina racionalmente unos resultados y está abierta a la colaboración y el cambio. Así lo demostró Claire Bishop, quien ya constató la creciente importancia del concepto “proyecto” en artes visuales –ligado también al comisariado y la exposición como procesos de investigación– a partir de 1989, como demuestran la Documenta de Kassel o el Proyecto Escultórico de Münster. Un ejemplo expreso de ello es la obra de Antoni Muntadas, quien ha teorizado sobre la necesidad de estructurar metodológicamente el proceso artístico para llegar a resultados plausibles, insistiendo en el carácter procesual y contextual de la obra, que no queda reducida a condición objetual.
Roberto es un ejemplo excepcional de ello, también porque asume con naturalidad distintas tradiciones para hacerlas suyas, como son el arte sonoro, el arte cinético y el arte programado. En definitiva, el experimentalismo que hallamos en sus obras permite valorar la amplificación de la percepción de lo sonoro, convirtiéndolo en un acontecimiento no exento de poesía y reivindicación social, con una gran eficacia gracias a su carácter envolvente, que provoca insólitas reacciones en el espectador.
¿Qué es la escucha expandida?
“Escucha expandida” es un término que han usado algunos artistas, como el argentino Jorge Haro, que coincide con Roberto en prestar una especial atención a las posibilidades que introducen los medios digitales para plantear otros retos de la percepción, desde los entornos de programación e interacción con objetos a sistemas generativos, en especial dentro del ámbito del arte sonoro para materializar el sonido visualmente.
Para Roberto, que podríamos definir como un artista electroacústico, también se vuelve pertinente la reflexión sobre lo sonoro y las limitaciones de otros medios para reflejarlo y la ya citada “música para ver”. Dentro de estas preocupaciones, destacan sus instrumentos “aumentados”, que surgieron a partir de su colaboración con Paolo Fresu y que ahora disfrutamos en la exposición en forma de composiciones que son fruto del sonido de violines y mandolinas, ahora analizados y procesados por medio de algoritmos genéticos para lograr una composición electroacústica. La nueva pieza musical es reproducida por instrumentos con prótesis impresas digitalmente, con el objetivo de generar un conjunto donde esté presente siempre un contraste entre tradición y modernidad.
Su obra se podría resumir entonces como el elocuente resultado de enfrentarse a desafíos tradicionales con medios y actitud contemporáneos, donde la convivencia de opuestos no se entiende como conflicto, sino como fértil campo de posibilidades.
Pedro Medina (izquierda) y Roberto Pugliese (derecha)
We interviewed Roberto Pugliese Graduated in Electronic Music in 2008, under the guidance of Agostino di Scipio, since 2009 he has taught in conservatories and fine arts academies in Naples, Frosinone, Bari and Milan. He is currently professor of Multimedia at the Conservatory of Naples, work that combines with his musical career and as an electroacoustic artist.
Roberto, your training is in electronic music, at what point does your music spread towards the visual, working the sound and the installation?
I have always been very curious about all artistic expressions, although my first love was music. During my studies in Electronic Music at the Conservatory of Naples, my teacher, Agostino Di Scipio, opened my creative horizons towards the world of installations. At the same time, since I was active in the field of student politics and since in Italy the conservatories and fine arts academies belong to the same sector, I often had meetings with students of the fine arts academy.
On that occasion the first collaborations with visual artists were born in which I took care of the sound part. Attracted by the interdisciplinary world, I later developed an autonomous poetics between sound and visual art.
You can say that you are a researcher of sound and visual art. Tell us about this research work.
My research is mainly nourished by two artistic currents, that of sound art and that of kinetic and programmed art. By using software-driven mechanical equipment that interacts with each other, with the surrounding environment and with the user, I intend to examine new research points: phenomena related to sound, the analysis of the processes that the human psyche uses to differentiate the structures of natural origin from the artificial ones (both acoustic and visual), the relationship between the human being and technology, and also the one established between art and technology, giving a not inconsiderable role to the visual aspect. Sound thus becomes both an object of research and a means of acoustic and visual expression, vital energy that animates the inanimate, becoming a guide to analyze and stimulate the human psyche and perception. The idea of creating an active relationship between the work and the viewer pushes me to create dimensions in which sound moves, creating different sonic perspectives for the listener. Art arises from a two-dimensional reality to give life to real sound and/or visual scenarios. In this way, the user is totally immersed in perceptive worlds that accompany him in the sensory experience.
Roberto Pugliese in the installation of the exhibition
You make collaborations with artists of different disciplines: experts in electroacoustic and electronic music, visual artists, architects... How is that job?
It’s definitely a job where you don’t get bored... I am used to working as a group, also because in the past I have collaborated with several realities such as the startup 3dive, with which I have created patents in the field of technological innovation. I have also collaborated as an external expert of the University of Genoa for a project on a new prototype of artificial leather. In short, I am fascinated by the research area from every possible angle.
As far as art is concerned, I often work alone, print some parts of my works in 3D with my printers and independently program the software I use for my works. However, depending on the project, I use diversified skills. The only goal is to be able to give life and form to my artistic ideas.
Tell us about the importance of creating immersive experiences. We see it in pieces like Concerto per natura morta.
Immersive experiences, both visual and sound, move the user into a very deep sensory field in which the objective is to provoke a detachment, even for a minimum time, from the daily "reality". In this way, the mind can project itself towards sensations and unpublished thoughts, or create unexpected short circuits.
Your work is not only a reflection and research on music, but also creates a discourse that reflects on certain social issues. Tell us in what way.
Among the different topics that I addressed in my artistic research, the relationship between human beings and nature, mediated by technology, is one of those that interest me especially. Through my works I try to "count" a possible way in which technology is at the service of both the human being and the environment that surrounds it. I try to create new connections in which I propose alternative uses of technology as extension and non-destructive human reflection.
What is the relationship between traditional and modern in your works?
History is important, our society could not exist without awareness of its past.
I believe that art must create a connection between our past and our future through visionary works and concepts. It must therefore, as has often happened, be a vector of innovation, technological, moral and social.
How important is Big Data translation in real time?
Big Data translation helps us to become "sensitive" and perceptible data that, if read, does not carry an "empathetic" message. For example, if we read that 40,000 trees are felled a day, for us it is still a figure, but if, as is the case of my work Critici ostinati ritmici, this figure translates into a series of perceptible blows visually and sonorously, in real time, in a trunk, then the perception of that number changes, becomes more "concrete" and assimilable.
Another example is Acoustic Tides, which is exhibited here in Valencia, in which I translate sonorously in real time the level of the tides of 5 Spanish stations to highlight, in a more emotional way, a phenomenon due to global warming. Also in this case I try to use technology as an "emotional extension" of my modus operandi.
Pedro Medina is the curator of the exhibition. We can find his critique in the exhibition catalogue, available on our website.
Where does the name "Musical Weather" come from?
The title starts from the double origin of the word "time". On the one hand, the weather to which we are exposed and, on the other, the chronological time, the measure and duration of things, therefore, also to music.
With this play of words we managed to gather two of the avenues of research and experimentation of Roberto Pugliese: a series of works that reflect and "translate" the sound and visual environment, along with others that think internally the world of music from which it comes.
What is the common thread between the three spaces?
The two large installations of Vicente Beltrán Grimal and Cabillers give rise to precisely these two paths of expression and, above all, of immersion to provoke deep emotions in the viewer.
In the first we find Concerto per natura morta, an impressive installation composed of chestnut trunks, which died of natural causes, suspended in the air at different heights and in a horizontal position. From them emanates a powerful sound that comes from the places of origin of the trees and that has been digitally treated in order to place the viewer literally within a "still life". As happens in other of his works, such as Liquide emergenze future, this work is recognized as close to an "ethics of nature", when dealing with issues such as deforestation or rising sea levels.
In the second we find La finta semplice, K51, which refers to the composition of Mozart. It aims to offer a different listening key, through an orchestra of string instruments that virtually reproduces the composition made by Pugliese, with the aim of rethinking the form "concert" through timbral experimentation and staging. In this case, it is reproduced in the showcase of Cabillers as an external sample of the musical Intemperies for those who pass by the street, although it will have private concerts inside over the time in which the exhibition will be in force, to appreciate the strength of this composition.
The two streams converge in the gallery located in Pascual and Genís, as a synthesis of his career, with more "augmented" instruments, different ways to score music, also with a variant of Concerto per natura morta and, especially, with Acoustic Tides, installation that translates in real time the tides of five Spanish cities, turning online data into a particular song of sirens.
How does music coexist with art?
I would not understand the two things as separate, especially in the work of Roberto, but within what we call "sound art", although it is a stream difficult to demarcate and to which people are not accustomed.
From this perspective, the relationship between sound art and visual art is long, as exhibits such as Sons & Lumières in Pompidou, one of the most complete revisions of the history of sound in visual arts throughout the twentieth century, have demonstrated. In all these cases, it appears as a fruitful period of convergence and dialogue that offers other perceptions -therefore, approaches- to arguments such as environmental ones, focusing more on emotional aspects than purely narrative ones.
A special part of these "correspondences" between the sonorous and the visual is the musical speculation, understood by Roberto within what he calls "music to see". In fact, in the works we present the public can appreciate in his work an extraordinary example of synthesis between positions that are sometimes understood dichotomously. In addition, it poses new forms of expression thanks to the use of digital media, as a contemporary response to conventional artistic challenges, not thinking technology only as an instrument, but -as happens in Schafer, following his close McLuhan, and in other paradigmatic authors like Benjamin- appears here as a means of carrying knowledge and as a reflection necessary to be contemporary.
How important is experimentation in this field?
Experimentation is fundamental if we want to find new languages that can talk about the new experiences that are emerging in our world. In fact, rather than idealizing the figure of the artist, as happened in Romanticism, it would be useful to consider the work as a "project", which rationally imagines results and is open to collaboration and change. This was demonstrated by Claire Bishop, who noted the growing importance of the concept of "project" in visual arts -also linked to curatorship and exhibition as research processes- from 1989, as shown by the Documenta of Kassel or the Münster Sculptural Project. An express example of this is the work of Antoni Muntadas, who has theorized about the need to structure the artistic process methodologically to reach plausible results, insisting on the processual and contextual character of the work, which is not reduced to an objectionable condition.
Roberto is an exceptional example of this, also because he naturally assumes different traditions to make them his own, such as sound art, kinetic art and programmed art. In short, the experimentalism that we find in his works allows us to evaluate the amplification of the perception of the sonorous, turning it into an event not exempt from poetry and social vindication, with great effectiveness thanks to its enveloping character, that provokes unusual reactions in the viewer.
What is expanded listening?
"Expanded listening" is a term used by some artists, such as the Argentine Jorge Haro, who coincides with Roberto in paying special attention to the possibilities introduced by digital media to pose other challenges of perception, from programming environments and interaction with objects to generative systems, especially within the realm of sound art to materialize sound visually.
For Roberto, who we could define as an electroacoustic artist, also becomes relevant the reflection on the sonorous and the limitations of other means to reflect it and the already mentioned "music to see". Among these concerns, his "augmented" instruments stand out, which emerged from his collaboration with Paolo Fresu and which we now enjoy in the exhibition in the form of compositions that are the result of the sound of violins and mandolins, now analyzed and processed using genetic algorithms to achieve an electroacoustic composition. The new piece of music is reproduced by instruments with digitally printed prostheses, with the aim of generating an ensemble where there is always a contrast between tradition and modernity.
His work could then be summarized as the eloquent result of facing traditional challenges with contemporary means and attitude, where the coexistence of opposites is not understood as conflict, but as fertile field of possibilities.